Biographie

La sculptrice, peintre, poète et collectionneuse d’origine italienne Agni Udinotti est née en janvier 1940 à Athènes et sa famille a très vite déménagé à Volos à cause de la guerre, tandis qu’elle a passé les premières années de sa vie à Portaria de Pélion pour éviter les bombardements a Volos cette fois. Son frère était l’acteur Alekos Oudinotis (1935-2020), protagoniste du Théâtre d’art et du Théâtre d’État de Grèce du Nord, avec une présence significative dans le cinéma artistique grec, dans les films de Theodoros Angelopoulos (La vue d’Ulysse, Une éternité et un Jour), de Panteli Voulgari (Le mariage arrangé d’Anna, Journées tranquilles d’août) et autres. Son père Panos Udinotti (1911-1944) fut assassiné lors des troubles civils de décembre 1944, connus sous le nom d’«émeutes de décembre», car il était injustement considéré comme un collaborateur des envahisseurs italiens, principalement en raison de sa citoyenneté italienne, dans un acte de vengeance plutôt aveugle, ou extrême confusion, puisque son oncle et son grand-père sont effectivement attribués à une collaboration avec le conquérant mais ils ont réussi à échapper à leurs poursuivants, contrairement à lui qui a refusé de se cacher – apparemment sûr de son innocence -; en tout cas il est une autre perte tragique d’une époque absurde. Le récit fictif selon lequel le grand-père italien de l’artiste descendait du plus courageux commandant en chef de Napoléon Bonaparte, Nicolas-Charles Oudinot (1767-1847), qui, grâce à sa prétendue tentative ratée de détrôner Napoléon en 1815, s’enfuit en Italie et changea son nom d’Udinotti, est jugé inexact, car Oudinot n’a jamais trahi sa loyauté envers Bonaparte et est resté jusqu’à la fin de sa vie à Paris Il est cependant indéniable que les parents de son père faisaient partie de ceux qui sont sortis indemnes de la catastrophe de Smyrne et que le déménagement de la famille en Grèce était dû à la nostalgie de l’épouse grecque de son grand-père italien. L’artiste a eu une enfance extrêmement introvertie, car son beau-père violent n’a jamais eu de relation saine avec elle et ses deux frères et sœurs, trouvant refuge dans les livres et son piano, en était une excellente élève. À sa majorité, elle part étudier à Francfort, dans le but de devenir scientifique. Elle y découvre très vite son penchant pour l’art et le rêve utopique de l’Amérique la convainc de faire le grand voyage transatlantique : « c’était la recherche du Paradis », soulignera-t-elle plus tard. Arrivée aux États-Unis, sans argent, et avec l’aide de quelques proches à Chicago, elle parvient finalement à l’Université d’Arizona en 1959, où elle est acceptée, pour terminer son baccalauréat en art en 1962 et obtenir une maîtrise aux Arts de la même université en 1963.

Elle a déjà été récompensée pour son travail au cours de ses années d’études, pour des peintures à l’huile d’abord et des sculptures ensuite, tout en participant continuellement à des expositions, principalement en Arizona, mais aussi en Grèce. Dès 1964, elle transformait une grange à Scottsdale, en Arizona, en atelier et galerie. La Galerie Udinotti (Udinotti Gallery), toujours en activité aujourd’hui, a commencé ses activités en 1971. Cette année-là, Udinotti reçoit le premier prix de sculpture pour sa participation au concours organisé à Athènes pour les artistes de moins de 40 ans, sur le thème de l’Hymne à la liberté de Dionysios Solomos, suite à l’initiative et au parrainage de l’architecte de la diaspora Panos N. Tzelepi (1894-1976), et à la mémoire de l’éminent technocritique, éditeur et galeriste de la diaspora Christian Zervos (1889-1970). Entre-temps, elle avait déjà exposé individuellement son travail à l’ Union Greco- American  (1968) et à Nees Morfes (1969), une galerie d’art dans laquelle elle exposera plusieurs fois par la suite (1973, 1974, 1977, 1978, 1981, 1985). , 1988, 1992, 1995, 2000). En 1973, elle participe à la 12ème « Exposition d’art panhellénique » à Zappeion où son travail se démarque. En 1976, il reçoit un prix honorifique de l’Association des artistes grecs d’Athènes. Au cours de cette décennie, elle exposera également son travail à plusieurs reprises à Amsterdam et à la Galerie Balans (1973, 1974, 1975, 1976, 1978). En 1977, elle expose à l’Institut français de Thessalonique, en 1980 au Centre d’art « Panselinos » de la même ville et en 1984 à la Galerie d’art « Epsilon Mi » de Volos. En 1979, elle a été récompensé et elle a représenté les artistes grecs à l’exposition de l’UNESCO à Paris et à Londres. En 1989, une exposition rétrospective est organisée pour les 25 ans de son œuvre par l’Association des Sculpteurs d’Athènes. En plus de dizaines de présentations de son travail en Arizona, elle exposera également en Californie (1969, 1971, 1973, 1979, 1980, 1988), à New York (1976, 1978, 1979, 1981), ainsi que dans d’autres États. comme hors des États-Unis : à Toronto (1969, 1971), au Musée national d’anthropologie d’Oaxaca, Mexique (1978), en El Salvador (1978), à Munich (1980), à Vienne (1985), à Tokyo ( 1998) et ailleurs (comme Londres, Zurich, Stuttgart) Entre 1984 et 1987, elle a été rédactrice en chef de la revue de poésie Chimera. En 2008, elle fonde le Musée d’art figuratif Udinotti en Arizona, voulant combler un vide dans le domaine des institutions artistiques, puisque, comme elle l’avait souligné, « il n’existe aucune institution qui étudie et expose spécifiquement l’art de la forme humaine ». La collection du Musée couvre un large spectre, comme l’art africain, les gravures japonaises et les médaillons égyptiens anciens, comptant environ 3 000 œuvres. Les œuvres d’Udinotti se trouvent dans de nombreuses collections, galeries et musées, institutions et bâtiments publics, ainsi que dans l’espace public, principalement aux États-Unis. Ses matériaux d’art sont principalement l’huile en peinture et le fer en sculpture, mais elle expérimente constamment divers matériaux. (constructions en plâtre, bronze avec couleur, etc.).

Son travail se caractérise par sa préoccupation pour la forme humaine, bien qu’elle soit souvent techniquement classé comme art abstrait, en raison de sa forte tendance abstraite. Comme l’a souligné Chrysanthos Christou, Udinotti crée des séries d’œuvres où dominent « les éléments expressionnistes et les caractéristiques surréalistes, les types miniatures et les formulations abstraites », avec un langage morphoplastique purement personnel. Comme l’a observé son collègue Rudy Turk, dans les années 1960, ses œuvres sont plus émotionnelles, mettant l’accent sur le caractère figuratif fondamental de la forme humaine, principalement sur la tête et le visage, tandis que dans la décennie suivante, elle se tourne vers la sculpture métallique complexe ou simple, et dans les années 1980 même dans les œuvres multimédias, en conservant toujours « la même élégance dans la présentation technique et une mystérieuse ambiguïté dans la forme ». Ses figures rappellent des créatures fantastiques qui n’ont pas encore trouvé leur forme définitive, offrant la possibilité de multiples interprétations en effaçant les contours, mais elle se distingue également par sa préférence pour les formes ailées, faisant des choix audacieux, avec des formes androgynes, avec toujours une forte  qualité spirituelle et esthétique de son travail. Les titres de ses séries indiquent sa préférence pour une recherche romantique sur des thèmes classiques, tout en laissant un sentiment paradoxal et parfois ironique au spectateur, qui a du mal à rester indifférent. Titres typiques de ses séries : L’homme moderne – à la recherche de lui-même », « Le monde à travers les yeux d’un idiot », « Pombe », « Anges », « Monstres », « Transformation de la femme », « Ombres »,  » Funérailles »,  » Le pouls de la ville « , « Totems », « Sarcophages », « Grand Cube de la Mort »,  » Mort incroyable »,  » Images d’Ombre  » ; le point culminant de ses nombreuses séries d’œuvres et de poèmes (elle inscrit souvent ses poèmes sur ses sculptures, donnant encore plus d’unité à son art) est la série « Mémorial à mon père », dont le souvenir n’a jamais cessé de la motiver de manière expressive. Udinotti réussit avec son travail à créer un sentiment d’évasion et de catharsis, sans chercher à satisfaire un public particulier. Son œuvre a le caractère absolu d’un geste expressif qui choquera ou laissera indifférent le spectateur-récepteur – même si son message est universel. Ses références sont presque impossibles à déchiffrer, étant profondément assimilées et complexes, mais pourraient être recherchées dans presque tout le spectre de l’histoire de l’art, depuis l’art de la Renaissance de Parmigianino et Pierro della Francesca, le baroque du Bernin, le premier romantisme de Rembrandt et Goya. , à l’art brut et à l’art primitif et archaïque, grâce principalement à son contact avec les profondeurs de l’inconscient collectif et à l’introspection inlassable qu’elle réalise avec son art, sans oublier les références aux peintures murales égyptiennes ou aux monuments de guerre assyriens, et bien sûr aux moulages funéraires anciens. En même temps, elle montre des affinités avec le mouvement expressionnisme abstrait déjà répandu dans les premières années de sa carrière, principalement à travers l’utilisation autonome et fortement suggestive de l’élément couleur qui, comme l’architecte Nikos Holevas (1944-2015) a souligné, « sinon, pour des raisons d’équilibre, à lui seul, en tant que donnée picturale, elle parvient à donner un contexte global aux personnages principaux ». Panos Karavias identifie avec justesse l’influence du grand sculpteur Alberto Giacometti (1901-1966) et se concentre sur le drame de l’existence qu’elle exprime aussi dans ses figures fines au point qu’elles manquent autant que le spectateur cherche à les comprendre (le élément de manque souligné par Jean-Paul Sartre dans la sculpture de Giacometti). Ses figures humaines sont néanmoins à la fois monumentales, puisque leur lien à une dimension universelle qui les transcende est fortement observé, et c’est peut-être l’élément qui distingue son œuvre de celle de Giacometti. Eleni Vakalos soulignera par son sens poétique les figures humaines de l’artiste : « Leur existence prend de l’importance par la cohérence de leur mouvement ou de leur attitude au sein de la foule dont ils font partie et en même temps expriment. Comme si nous étions devant un drame étendu dont l’action aurait été transférée des héros aux chœurs. » Agni Oudinotti, s’inscrivant dans le contexte d’un art de la performance qui est en même temps un nouveau mode dominant d’expression visuelle, tel que l’a établi l’historien de l’art Peter Selz, promeut une tendance anthropocentrique de l’expressionnisme d’après-guerre de la côte ouest des États-Unis, comme contrepoids à l’expressionnisme abstrait plus classique et déjà largement accepté, du moins en Amérique. Elle soulignera : « nous, en tant qu’êtres humains, incarnons les émotions, l’intellect et toutes sortes de sens et de sensibilités ». Cette somme complexe que constitue l’homme cherche à s’exprimer avec persistance dans son art, n’hésitant pas à se confronter même à ses représentations les plus dystopiques, elle projette à son tour un art qui s’engage à servir les valeurs universelles et se confronte ouvertement et fructueusement à la société, sans pour autant perdre son caractère symbolique profond et libre d’interprétation, soulignant toujours, de manière romantique, comme elle le souligne, « la beauté de l’humain ».

Anestis Melidonis
Historien d’art
Associé scientifique de la Fondation Hellenic Diaspora