Biographie

Lynda Benglis est née en 1941. Sa mère était la fille d'un prêtre presbytérien du Mississippi et son père le fils d'immigrants grecs de Kastellorizo. Durant son enfance, elle a vécu à Lake Charles, en Louisiane, une région connue pour ses industries pétrochimiques développées après la Seconde Guerre mondiale et pour le grand nombre d'accidents chimiques qui s'y sont produits. Sa grand-mère grecque Marigo l'a emmenée à l'Acropole pour la première fois à l'âge de 11 ans et lui a appris à tricoter. Elle a ensuite été formée en tant que peintre au Newcomb College de l'Université Tulane à la Nouvelle-Orléans et est entrée en contact avec l'expressionnisme abstrait. Elle a cependant rapidement commencé à travailler en dehors des limites du tableau d'art et a redéfini la manière dont les œuvres d'art étaient exposées. En 1964, elle a déménagé à New York et, en 1968, elle a vécu et travaillé dans l'atelier du peintre Robert Duran. La même année, elle a déménagé dans son propre studio et a commencé à s’associer avec des artistes tels que Eva Hesse, Sol Lewitt, Donald Judd, Barnett Newman, Carl Andre, Jeniffer Bartlett, Michael Goldberg, Ron Gorchov et Marilyn Lenkowski. Jusqu'au début des années 1970, elle avait développé un intérêt particulier pour le traitement de la forme organique et l'exploration du processus sculptural. Ainsi, elle a créé des œuvres sculpturales avec des couleurs vives à partir de matériaux tels que le latex et la mousse de polyuréthane ; elle a ensuite travaillé avec des feuilles d'or, du zinc et de l'aluminium. Elle a régulièrement participé à des expositions à New York avant même d'avoir 30 ans, faisant une impression avec des œuvres qui semblaient remettre en question le pouvoir de la gravité, s'opposaient aux règles d'organisation géométriques du minimalisme et attaquaient l'hégémonie patriarcale des cercles artistiques dominants de l'époque. Son travail a été présenté pour la première fois à la galerie Bykert, à New York, en 1968. En 1969, elle a participé à l'exposition Anti-illusion: Procedures and Materials au musée Whitney avec des créations qui ressemblaient à des peintures renversées sur le sol. Plus précisément, dans des œuvres telles que Peinture Déchue (Fallen Painting, 1968) et Odalisque (Hey, Hey Frankenthaler) (Odalisque, [Hey, Hey Frankenthaler], 1969), il est évident comment elle a utilisé de nouvelles techniques morphoplastiques permettant au latex coloré d'être versé directement sur le sol et d'être moulé de manière autonome. Au début des années 1970, elle a adopté le terme « geste figé » (frozen gesture) pour expliquer de manière métaphorique le processus performatif de la production de ses œuvres. En 1970, elle a enseigné la sculpture à la University of Rochester. Elle a ensuite enseigné dans d'autres universités, notamment à la City University of New York, au California Institute of the Arts, à la University of Arizona, au College of Santa Fe et au Santa Fe Art Institute. La même année, elle est entrée en contact avec le programme d'art féministe de Judy Chicago à la California State University et a développé un intérêt particulier dans le mouvement féministe. En 1971, elle a mis en place des installations de mousse de polyuréthane dans des musées et des galeries aux États-Unis comme au Kansas State University, au Vassar College à New York, au Walker Art Center à Minnesota, au Milwaukee Art Center, à la galerie Paula Cooper à New York et au MIT. Un an plus tard, elle a lancé la série de projets Nœuds (Knots) ainsi que ses premiers projets vidéo. Dans la série Nœuds, elle a décoré des couleurs acryliques métalliques et brillantes et des matériaux en coton pailleté, faisant référence aux arts décoratifs ainsi qu'aux concepts de l'art noble et de l'art populaire. Les vidéos de Benglis datant de 1972 jusqu’à 1976 exploraient la dynamique du moyen lui-même ainsi que les stéréotypes de genre, le corps humain, l'érotisme et l'identité sexuelle, ses œuvres représentatives étant Bruit, Document, Marmonnement et À l'écran (Noise, Document, Mumble et On Screen, 1972) et Sensibilité Féminine (Female Sensibility, 1973). En 1974, l'attitude extrêmement provocante et humoristique de Benglis envers le système de circulation artistique, les rôles de pouvoir et les stéréotypes de beauté et de désir a atteint son apogée avec la publication de sa célèbre photo par le photographe Arthur Gordon, qui l’a publié dans une publicité pour son exposition à la galerie Paula Cooper. Sur la photo, elle est apparue nue, frottée d'huile et bronzée, ne portant que des lunettes de soleil et tenant un gros gode entre ses jambes. Des manifestations d'un groupe d'éditeurs du magazine ont suivi après la publication et, alors que les plaintes adressées au magazine continuaient, elle a imprimé 50 t-shirts avec la photo en question. En 1975, elle a créé l'installation Primary Structures (Paula Props) [Structures Primaires (Paula Props)] à la galerie Paula Cooper, avec des références évidentes à son ascendance grecque et une critique des principes du minimalisme. La même année, elle a reçu la bourse commémorative de la fondation John Simon Guggenheim et, en 1976, le prix du Australian Art Council. En 1979, elle a reçu la subvention National Endowment for the Arts et a complété une résidence à Ahmedabad, en Inde, dans un bâtiment conçu par Le Corbusier. Dans les années 1980 et 1990, Benglis a continué à fabriquer des pièces de mur et de sol complexes et à expérimenter avec d'autres matériaux tels que le verre et la céramique. En 1984 et 1985, elle a travaillé au New York Experimental Glass Workshop et à la Pilchuck Glass School à Stanwood. En 2000, elle a reçu un doctorat honorifique du Kansas City Art Institute et, en 2003, le prix AICA-USA de la meilleure exposition qui a été présentée à la galerie Franklin Parrasch, à New York, en 2002. De 2003 à 2005, Benglis a réalisé des sculptures à grande échelle et des « fontaines » en cuivre, résine et polyuréthane, telles que Les Grâces, 2003 – 2005 (The Graces, 2003 – 2005). Elle a organisé de nombreuses expositions personnelles et collectives à travers le monde, accepté des assignations et des prix et est toujours productive à ce jour. Bien qu'elle habite principalement à New York, elle a voyagé tout au long de sa carrière. Son œuvre figure dans de grandes collections telles que celles du Solomon R. Guggenheim Museum, du Los Angeles County Museum, du MoMA à New York, de la National Gallery of Victoria à Melbourne, du San Francisco Museum of Modern Art, du Walker Art Center à Minnesota et du Whitney Museum of American Art. Ses principales expositions rétrospectives ont été organisées en 2009 par le Irish Museum of Modern Art à Dublin, en collaboration avec le Van Abbemuseum, le Consortium, le New Museum et la Rhode Island School of Design, en 2011 par le Museum of Contemporary Art de Los Angeles, en 2015, par le Hepworth Wakefield à Wakefield et en 2019 par le Musée d'art cycladique à Athènes. Elle vit et travaille à Kastellorizo, Santa Fe, aux États-Unis et à Ahmedabad, en Inde.